視覚と造形の芸術

レクリエーション柱の副柱 (調和の輪)。参照: レクリエーションの輪、自然の輪。

知覚と真実の表現としての芸術

視覚芸術 — 素描、絵画、彫刻、写真、版画、工芸、そして物や空間のデザイン — は、[Glossary of Terms#Ṛta|Ṛta]と調和した真実を知覚し、表現するモードである。それらは装飾ではなく、単なる美学ではない。それらは世界を見る方法であり、知覚を訓練して現実に存在するものに気づくための方法であり、言葉では完全に捉えられない何かを形を通して表現する方法である。

これが、視覚芸術の実践が人間の完全な発達のために不可欠である理由である。素描をするとき、あなたは本当に見ることを強いられる。本当に見る。二秒で場面を取り込む一瞥ではなく、形の輪郭をたどり、光と影の遊びを観察し、空間内の物体間の関係に気づく継続的な注意である。毎日わずか数分でも素描する人は、素描しない人とは異なる世界を見ている。世界はより豊かに、より詳細に、より生きたものになる。美的知覚の能力 — 美に気づき、美に動かされる能力 — は、調和主義の媒体を通して瞑想と同じ方法で訓練される。

調和主義では、美は主観的な選好ではない。美はṚta — 宇宙的秩序と調和した客観的な質である。美しいものは、現実についての真実を表現するものである。美しい顔は健康と調和を表現するものである。美しい風景は自然の秩序を表現するものである。美しい数学的形式(黄金比、フラクタル、神聖幾何学のパターン) — 現実の実際の構造を反映するものである。美の主観的体験 — 本当に美しいものに動かされる感覚 — は、恣意的な選好の投影ではなく、何か実在するものの認識である。

これが、モダンアート世界が虚無主義と挑発へ下降することがなぜそれほど腐食的なのかである。芸術が主に慣習の超越、衝撃価値、真実や美への参照のない芸術家の主観的体験についてになるとき、芸術はその機能を失う。それはエンターテイメント産業の別のツールになり、栄養を与えずに刺激し、照らさずに挑発するように設計される。本当の芸術は真実と美に奉仕する。それは見られるべきものを明らかにする。それは真実を創造しない; それはそれを発見し、表現する。

聖なる芸術の伝統

主要な地図描写および広い知的遺産全体にわたって、調和主義は精神的実践として理解される芸術の保存された記録である特定の聖なる芸術伝統を指している。

イコン描法とマンダラ制作 — 東方正教会の伝統では、聖なるイコンの創造はモダンな意味での芸術ではない; それは祈りと瞑想の形であり、特定の規則と比率に拘束される。イコン作家は創造しない; 彼らは導く。イコンは神への窓として理解される、そして芸術家の役割は、その機能に奉仕することであり、彼らの主観的ビジョンを押し付けることではない。比率、色、構成は、特定の精神的意味を運ぶため規定される。同様に、ヒンドゥー教、仏教、およびタントラの伝統では、マンダラ制作は表現芸術ではなく、視覚形式における宇宙的秩序の表現である。マンダラの創造は、芸術家が神聖幾何学をたどるにつれてより深い意識の状態に入る瞑想的実践である。マンダラは小宇宙における宇宙を表現し、臨在とともにそれを創造することは自分自身を宇宙と同調させることである。これらの両方の実践は、モダンな主観的芸術の反対の極を表現する; それらは超越的な出会いのための乗り物として芸術を表現する。

書道 — イスラム教伝統では、生き物の象徴的芸術を避けるため、書道は最高の視覚芸術になる。神聖なテキスト(クルアーン、信心深いフレーズ)の精緻な形での執筆は、同時に芸術であり、精神的実践であり、啓示の保全である。芸術家の手は、形の完璧さに奉仕するために訓練され、神聖なテキストに対して透明になる。アジアの伝統(中国語、日本語)では、書道は、筆、墨、紙が芸術家の意識の状態、彼らの規律、宇宙的秩序との彼らの接続の表現の媒体となる一次芸術形式である。

神聖な建築と工芸 — 寺院、教会、聖なる空間の設計と建設は、視覚と造形の芸術の最大規模での適用を表現する。比率、材料、光、音響 — すべては、特定の意識状態と特定の精神的実践を促進するために慎重に検討される。聖なるオブジェクト — 容器、ローブ、儀式のための道具 — の製作は、精神的規律として理解される。伝統的な文化では、神聖な用途のために何かを作ることは精神的準備と臨在から分離できなかった。

これらの伝統は、人間の文化の金庫で保存されており、視覚創造が主観的表現ではなく神聖な実践として理解されるときに何が可能になるかの記録である。

階層: 消費よりも創造

音楽と同様に、視覚芸術の関与は明確な階層に存在する。能動的創造 — 素描、絵画、彫刻、自分の手で工芸 — は最高の形式である。視覚的形式を創造するとき、あなたは知覚、運動調整、美的判断、見ることの能力、そしてその見ることを物質的形式に翻訳する能力に従事している。あなたは意識を物質に体現している。あなたは手を通じて学んでいる。これが視覚的制作がなぜこれほど変革的なのかである。それは主に製品(絵画、彫刻)についてではなく、プロセスについてである。あなたが創造するにつれてあなたの中で起こることが重要である。作品はあなたの状態を反映する — あなたの誠実さ、あなたの臨在、あなたのビジョン、あなたの自由または制限。そしてそれはあなたの状態をそのように明確に反映するので、創造することは自己認識と発達のための道具になる。

従事した消費 — 博物館とギャラリーの訪問、美術史の研究、完全な注意力で芸術を見ること、作品の意図と文脈を理解すること — は二番目の層である。あなたが本当にあなたを動かす芸術に遭遇し、本当に見るための時間を取り、芸術家が探索していたことを理解し、それによって影響を受けることを許可するとき、あなたは時間を超えた人間の意識の伝達に参加している。あなたは本物のビジョンとの接触によって教育されている。これは受動的な画像スクロールとは異なる。それは臨在、時間、変わることへの開放性を必要とする。

受動的消費 — ソーシャルメディア内の画像、背景としてのデザイン、装飾としての美学 — は最も低い層である。これは眼をあさり深さと真実についての訓練を根絶する。

客観的な質としての美

モダンな思考の腐敗の一つは、美が完全に主観的であり、単に選好の問題であるという主張である。これはいくつかの効果を持ち、すべて腐食的である。それは本物の美的判断の根拠を削除する。それは真実を表現する芸術と単に挑発的な芸術またはノベル的な芸術を区別することを不可能にする。それは人間の環境が実際に栄養を与えるのではなく、実際に削減するように設計できるという標準を削除する。そしてそれは芸術家を本物の習得の可能性から遮断する — 美の客観的な標準がない場合、個人的表現を超えてマスターするものはない。

調和主義の立場は明確である: 美は客観的である。それは現実の実際の構造を反映する。黄金比は自然界に偶然により現われるのではなく、成長および形式を支配する数学的原理から浮かんでくるため、それは自然界に現われる。フラクタルパターンは人間が主観的にそれらを好むので異なるスケールで繰り返すのではなく、自然界の自己組織化の実際の原理を表現するため、異なるスケールで繰り返す。美しい顔と身体は健康と調和を表現するものである。美しく感じる空間は、人間の身体のスケールおよび比率、および人間の知覚システムと調和する光、空間、および材料の比率である。調和する色は、単に流行ではなく周波数関係が数学的に一貫している色である。

これはすべての美が同じであるまたは唯一の美学があるという意味ではない。中世の大聖堂の美は、日本庭園の美と異なり、これは数学的フラクタルの美と異なる。しかし、彼らが共有することは、彼らが現実についての何か真実を表現することである。それらは恣意的ではない。それらは秩序を反映する。そしてそれらを認識し、それらによって動かされる能力は、真実を認識し、真実によって動かされる能力である。

見ることを学ぶ: 視覚的注意の実践

素描は知覚を訓練する最も直接的な方法の一つである。素描するとき、あなたはそれを偽ることができない。何かを素早く見て、それからあなたが見えると思われるものを描くことはできない; あなたは密接に継続的に見て、あなたが思っているのではなく実際に見ているものに反応する手を許可する必要がある。定期的に素描する人は、芸術家が見るように世界を見始める: ラベルと範疇としてではなく、形、比率、光、影、関係として。世界は非常に豊かになる。

これは任意のレベルのスキルまたは野心で行うことができる。簡単な実践: 毎日15分間素描に費やす。何でも素描する — あなたの手の形、あなたの前のオブジェクト、あなたが遭遇する風景。要点は熟練した芸術家になることではなく(そしてそれは起こるかもしれない)、あなたの知覚を訓練することである。見ることの行為に完全な注意をもたらし、あなたが見るものに反応する手を許可する。時間とともに、あなたはより多く見ることに気づくでしょう、そしてより多くの世界の実際の美があなたに明らかになるでしょう。

絵画と彫刻はより大きな物質的関与を必要とするが、同じ原理に作用する。あなたは身体を通じて、継続的な注意を通じて、選択をして、それらの結果と生きることの必要性を通じて学んでいる。作品は教える。それは抵抗する。それはあなたにスキルを開発するように強いる。これがこれらの実践が画像の受動的消費から非常に異なる理由である。それらは能動的であり、体現され、存在の視覚的側面との実時間の関与である。

工芸 — 陶芸、木工、テキスタイルワーク、金属細工 — 視覚芸術を機能的有用性と組み合わせる。美しく、また機能するものを作ることは、完全な満足、完全な実践である。臨在と注意を持って作られた手作りオブジェクトは、大量生産されたオブジェクトが決して決してできない方法で、制作者の臨在を運ぶ。これが工芸実践の回復が美的だけでなく精神的および社会的に重要である理由である。

写真とモダンな課題

写真は独特な場合を提示する。素描または絵画とは異なり、何を含め、どのように表現するかについて継続的に決定することが必要である、写真はそこに何があるかをキャプチャする。写真家の芸術は見ることにある — 真実と美を含む瞬間を認識すること、フレームを構成すること、光を理解することである。これは本当に困難である。それは訓練された目が必要である。

しかし、デジタル写真の容易さと画像の豊富さは、メディアの低下を創造した。写真撮影の行為は自動的、無思考的になった。画像は反射的にキャプチャされ、即座に破棄される。写真は、臨在と知覚の深刻な実践である可能性が、受動的な画像消費の主要なベクトルの一つになった。指先にあるカメラは、ビジョンを訓練するためのツールになる可能性が、代わりに見ずに文書化するためのツールになった。

写真を実践として回復させるには、基本に戻る必要がある: 実際に見ること、構成とタイミングについて意図的な選択をすること、単一の画像に時間を費やすこと、画像をはかない一時的なデータとして扱うのではなく、プリントまたはディスプレイと関わること。写真は臨在で接近したときに本物の実践である可能性がある。違いは常に同じである: 消費対創造、受動対能動、自動対意図的。

精神的実践としての見ること

最終分析では、視覚芸術実践は見ることを学ぶことについてである。そして見ることは精神的実践である。それは投影と範疇の中断を必要とする。それは本当に実際のものに対する開放性を必要とする。それは忍耐力、注意、および驚かれる意欲を必要とする。それは本物の美との出会いによって変わる意欲を必要とする。

見ることの能力を発達させた人 — 壁の上の光、形の比率、色の遊び、顔の表情、空間がどのように組織されているかに気づく人 — は世界のより豊かで、より生きた知覚を持って生きている。視覚的形式を創造することができる人は、他の人に伝えられる方法で彼らのユニークな意識を表現している。視覚的表現と知覚の能力は、実践を通じて訓練および開発され、完全に生きられた人間の生活の必須の側面である。

参照: レクリエーションの輪、自然の輪、学びの輪、歓び